Сквозь упадок - к расцвету
Античность, славившаяся развитой культурой, растворилась в Средневековье практически без шанса на Возрождение. Это касалось и керамики.
Однако, на рубеже XIII ст. в Европу начали возвращаться отголоски далекий дней торжества искусства и красоты: культура ислама сумела переработать богатые традиции античности. В том числе и в области керамических изделий, в которой был заметен значительный прогресс и в техническом, и в эстетическом отношении.
Новое время - новые техники
Одной из самых простых технологий была облицовка пористого черепка непрозрачным глиноземом, который становился основой для росписи или процарапывания. Также до того, как обжечь изделие, на лицевую стороны наносили прозрачный слой легко плавящейся блестящей свинцовой глазури. Техника эта называлась полумайолика, и была занесена в Европу в XIV ст.
Однако более совершенной считается майолика настоящая: с непрозрачной и блестящей оловянно-свинцовой глазурью и декором.
И та, и другая техники пришли в Европу вместе с арабскими торговцами через испанский остров Мальорка. Но ведь какая ирония: самой известной по праву считают майолику итальянскую, о становлении и истории которой мы Вам сегодня и расскажем.
От красоты к функциональности, и наоборот
1470 - 1500. Отход от чужих образцов и формирование собственной художественной концепции происходит в последней четверти XV ст., когда в традиционно готический язык (растительные побеги со стилизованными листьями. лиственный орнамент, надписи готическим минускулом) проникают, все более усиливаясь, элементы раннего ренессанса (гранатовый узор, розетки, аканты и пальметты, чешуйчатый узор, арабески, погрудные изображения мужчин и женщин в костюмах своего времени). Так как эту эпоху отличает очень точный стиль исполнения, к ней пристал эпитет “строгий стиль”. Центр этого стиля - Фаэнца.
1500 - 1550. С началом XVI ст. производство майолики включается в общий поток ренессансного искусства, окончательно превратившись в полноправную область творчества. Функция майолики меняется, а в связи с этим меняются и типы ее форм.
В XVI ст. керамика становится чем-то вроде необходимой роскоши в интерьерах патрицианских домов, где ею убирают праздничные столы или она играет роль ценного подарка. В основе лежит именно плоская посуда - тарелки и блюда, которые эффективнее, чем другие сосуды, могли служить целям декорировки.
Изменение функции влечет за собой ряд технических завоеваний, однако еще большее внимание уделялось тщательной выделке глины и формовке, так что порции сосудов выходили более тонкими и изящными. Качество глазурей в свою очередь улучшается, и притом как непрозрачной, служившей основой для росписи, оловянной глазури, так и верхней - бесцветной и прозрачной глазури, которая, обжигаясь, сообщала поверхности сосуда свой блеск. Применялись и цветные глазури: светло-синяя и темно-синяя.
Постепенно декорирование развивается, достигая своего апогея во второй четверти XVI ст., развиваясь в разных направлениях орнаментики и фигурной росписи.
Гротескный стиль
Одно из направлений декора, проявившегося в орнаменте, можно охарактеризовать бесчисленными вариантами гротескного орнамента, весьма любимого в ренессансе и использовавшегося во всех мастерских Италии.
При этом наиболее оригинальными являются изделия мастерских Кастель Дуранте. Это причудливые скопления фигур людей и животных, которые расположены по всей поверхности симметрично, в нескольких полях.
Фаэнца в свою очередь развивала легкую орнаментику с растительными по преимуществу элементами, вроде пальметт и акантровых побегов, которые заканчивались маскаронами ли дельфиньими туловищами, фестонов, венков и ваз. Писали чаще всего по синему или двухцветному фону.
Вершина этого гротескного стиля - изделия Казы Пиротты, выполненные в Фаэнце около 1525 года в стиле berretino. Вместо белой тут использовалась светло-синяя глазурь, а изображение оставляли незакрашенным на расписном темно-синем фоне.
Внимая природе
Одновременно с гротескной в некоторых мастерских появляется лиственная или цветочная орнаментика "a foglie", "a fiori" или же "alla porcellana", возникшая под впечатлением от импортного китайского фарфора. По белой или светло-синей глазури выписывались завитки.
Однако художественной значимости этот вид декора достиг только в середине XVI ст. в Венеции, где он продолжал существовать вплоть до второй половины XVI ст., когда монохромность начала уступать разнообразию цветов, а мелкие цветочки вытеснялись пышными акантами.
“Прекрасный стиль”
Если в начале XVI ст. орнаменты и фигурная роспись использовались одновременно, то уже во второй четверти XVI ст. происходит полный переход к фигурным сценам с изображением мифологических или исторических сюжетов и картин нравов. Все это присуще так называемому “прекрасному стилю”.
Фигурная роспись и орнамент
Наиболее выделяются произведения, созданные в мастерских Кастель Дуранте и Урбино. Для развития этого стиля росписи важной была деятельность выдающегося майоличиста Николо Пеллипарио, который работал в мастерской Кастель Дуранте.
Что интересно, Пеллипарио работал и на мастерскую своего сына Гвидо Дурантино (прозываемого ди Кастель Дуранте), который позднее открыл заведение в Урбино и приобрел прозвище Фонтана.
На живописцев знаменитой “урбинской эры” Никола оказал особое влияние. Притом как на тех, кто работал в мастерской Фонтаны (Франческо Ксанто Авелли, Орацио Фонтана), так и на действовавших вне ее (Франчексо Дурантино).
Мастерская Фонтана
Урбинский стиль отличался необыкновенной красотой красок, строгим рисунком и чуткой стилизацией. В 1530-х годах он был освоен в Венеции, Пезаро, Губбио, не говоря уже о Фаэнце, где жил один из лучших фигурных живописцев Бальдассаре Манара.
Мастерская Губбио
Бальдассаре Манара
От белоснежно-белого к пестро-карикатурному
В качестве реакции на роспись в урбинском стиле и одновременно из-за восхищения китайским фарфором, который ввозился в Италию через Венецию, в третьей четверти XVI ст. распространяется производство белой майолики. Ведущее положение тут занимает Фаэнца. Отделка сосудов ограничивается лишь эскизно намеченными изображениями путти, бюстов или схематически очерченных завитков.
Около 1600 года наступает своего рода застой, который обусловлен массовым производством и экспортом только белой майолики.
А в первой половине XVII ст. образовывается новый центр производства майолики - Монтелупо в Тоскане. Изделия здешних мастерских выделяются своими карикатурными, пестрыми и лапидарно изображенными фигурными мотивами в народном духе.
За пределом Италии
Новый расцвет можно было наблюдать в отдельных центрах во второй половине XVII ст., что связывают с концепциями европейского барокко.
В центре внимания - Венеция, которая составляет стилическое единство с расположенными неподалеку мастерскими в Бассано и Ангарано: очень тонкий черепок венецианских сосудов покрыт серой, чистой и блестящей глазурью, роспись выполнена маловыразительными красками матовых тонов.
И в это же время оживает производство в старых лигурийских мастерских, расположенных в Савоне, Альбиссоле и Генуе. Однако это совсем другая история, ведь происходит это тогда, когда центр развития переместился в заальпийские страны...